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FREDDIE McKAY

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Frederick McLean – Freddy McKay January 1 1947 – November 19 1986 –

Anche con il senno di poi di un quarto di secolo è difficile capire come e perché un cantante talentuoso come Freddie McKay possa realizzare così tanti dischi classici e rimanere ancora una figura relativamente poco celebrata. Nato nella parrocchia di Santa Caterina nel 1947 ci sono pochi dettagli biografici o interviste ad artisti che possono far luce sui retroscena di questo gigante della musica giamaicana: tutto ciò che abbiamo è una raccolta di dischi meravigliosi.
Ha iniziato a registrare nel 1967 quando lo ska ha lasciato il posto al rock steady e “Giving You A Try Girl” e “Go On Girl” sono stati pubblicati uno dopo l’altro sull’etichetta Olive Blossom di Prince Buster in Giamaica e su Blue Beat nel Regno Unito. Il meraviglioso “Fine, Fine, Fine” per Beverley’s è stato accreditato in modo confuso a Frederick McLean e il suo successo rivoluzionario prodotto da Duke Reid e pubblicato più tardi nello stesso anno, “Love Is A Treasure”, è stato accreditato a Freddie McLean.
All’inizio degli anni Settanta Freddie si trasferì a Brentford Road dove, con i potenti Soul Defenders a fornire l’accompagnamento musicale, produsse un consistente corpus di lavori per l’etichetta Money Disc di Studio One. I successi includevano la sua interpretazione altamente individuale di “High School Dance” di Larry Williams e della sua band, “Sweet You Sour You”, il tema della realtà “Father Will Cut You Off” e l’enorme “Picture On The Wall” che ha fornito il titolo per il suo album di debutto per l’etichetta Studio One. Il primo taglio della sua carriera che definisce “I’m A Free Man” risale a questo periodo e questa versione di sette pollici di Money Disc rimane uno dei suoi dischi migliori e più ricercati.
Sempre in quel periodo registra il suo primo album “Picture On The Wall” per Coxsone Dodd.
In questo periodo, il 1971, Freddie registrò un’altra grande canzone per Harry Mudie, intitolata “Old Joe” e i successivi singoli tra il 1972 e il 1973 come “Black Beauty” prodotta da Warwick Lyn, “Million Dollar Baby” prodotta da V.Morgan.
Nel 1974, McKay, pubblicò un album intitolato Lonely Man. La canzone del titolo è stata un grande successo in Giamaica. Nel 1976, McKay vinse il concorso Festival Song con una vivace melodia registrata per Channel One e intitolata “Dance Dis Yah Festival” con una grande versione “estesa” e un grande brindisi di I-Roy. McKay si è adattato al sound dei rocker dominanti ed è rimasto popolare per tutti gli anni ’70, pubblicando Fire is Burning nel 1976 e il doppio album Creation per l’etichetta Plant nel 1979. Ha anche registrato molto per il produttore Alvin “GG” Ranglin, in particolare il brano intitolato “Blow Wind Blow”. Ha registrato fino agli anni ’80, pubblicando Harsh Words nel 1982 e Tribal Ina Yard nel 1983. McKay morì nel novembre 1986.
Negli anni ’70, McKay si adattò al suono delle radici allora alla moda e registrò del materiale incisivo per il produttore Alvin “GG” Ranglin, che è raccolto nell’album intitolato The Best of Freddie McKay (1977). Brani come “Rome”, “Praising the Father” e “Blow, Wind, Blow” dimostrano che era in grado di gestire voci radicali. La sua melodia del 1979 “Jah Man” è un esempio calzante. Nel 1973, ha registrato “I’m a Free Man” per l’etichetta Santic, che è rimasta una delle sue canzoni più popolari.
Fire is Burning, del 1976, e Harsh Words, del 1982, contengono entrambi ottimi esempi dell’abile manipolazione del materiale delle radici da parte di McKay. “Peace in the Garden” e “Take My Hand Oh Jah” sono due tracce che mi vengono in mente.
McKay ha anche pubblicato una serie di interessanti cover che mostrano che probabilmente era più un cantante che un compositore. Ad esempio, la sua versione di “Dock of the Bay” di Otis Redding (Attack, 1974) funziona sorprendentemente bene in un formato reggae, e la sua interpretazione di “Show and Tell” di Al Wilson (anch’essa coperta da Ken Boothe per l’etichetta Taxi) è prova del suo amore costante per la musica soul. Ha anche suonato “And I Love Her” dei Beatles (nell’album Fire is Burning del 1976).
L’album intitolato Creation, pubblicato nel 1979 per l’etichetta Plant, contiene cover di diversi classici del reggae come “Creation Rebel” dei Burning Spear e “Here I Come” di Dennis Brown. L’ex mamage ha superato l’originale grazie a qualche minaccioso organo e rocker riddim e anche grazie alla voce fumosa di McKay. In quell’album, McKay ha anche offerto le sue versioni di “The Girl I Left Behind” (intitolato “Yesterday” nell’album), una delle prime melodie rock di Ken Boothe, e del successo di Studio One di Wentworth Vernal “The Rainbow”.
Non ha mai collaborato con un’etichetta o un produttore, Freddie ha registrato con parsimonia negli anni successivi. Il suo secondo album, “Lonely Man”, pubblicato su Dynamic nel 1974 e prodotto da Warwick Lynn e Neville Hinds, conteneva un’ulteriore versione di “I’m A Free Man”.
I dischi essenziali da sette pollici come l’affascinante “Rock A Bye Woman”, pubblicato per la prima volta dall’etichetta Hot Rod di Rad Bryan, hanno contribuito a stabilire il suo status leggendario. Revisionato da Horace Andy e Jah Bull come “Ital Vital” questo disco sempre popolare viene regolarmente riprodotto dai dj’s esigenti. Un’altra versione di ‘I’m A Free Man’ per il giovane produttore Leonald ‘Santic’ Chin (Leonald Chin), e completa di melodica triste, si è dimostrata estremamente popolare e ha fornito la traccia ritmica per una delle prime uscite più memorabili di Augustus Pablo ‘Hap Ki Do’. La versione di Freddie del monumentale “At The Foot Of The Mountain” di Dennis Brown, prodotto da Eddie Wong, intitolato “Won’t Get Away” era un altro classico ben certificato di questo periodo.
Freddie viaggiò fino a Channel One su Maxfield Avenue nel 1976, dove i grandi stivali con i tacchi e pantaloni a zampa di elefante di Freddie spinti dalla doppia batteria militante di Sly Dunbar si dimostrarono irresistibili. “Dance This Ya Festival” vinse il Festival Song Contest per quell’anno e Alvin “GG” Ranglin (Alvin Ranglin) pubblicò “The Best Of Freddie McKay” (una superba raccolta di canzoni appena registrate e non una retrospettiva sulla carriera) l’anno successivo.
Freddie ha continuato a registrare materiale di prima classe per diversi produttori fino alla sua prematura scomparsa. Un album retrospettivo che combini il suo lavoro migliore per i numerosi produttori con cui ha lavorato lo collocherebbe sicuramente all’apice della sua professione, ma è altamente improbabile che gli accordi di licenza necessari per questo possano mai essere concordati. A tutti coloro che sanno che Freddie McKay è uno dei grandi, purtroppo non ci sono abbastanza persone.
Il defunto Freddie McKay non ha mai raggiunto il grado di successo costante che il suo talento meritava o ha lasciato un album che gli ha reso giustizia. Invece il suo lavoro migliore era sparso su oscuri 45 giri su molte etichette tutte diverse tra loro.
La sua morte prematura per un’emorragia cerebrale nel 1986 ha privato il reggae di uno dei suoi cantanti più singolari ma non celebrati.

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JOSEPH “CULTURE” HILL

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JOSEPH HILL (Gennaio 22 1949 – Agosto 12 2006)

Uno dei rappresentanti più importanti della musica roots reggae Joseph “Culture” Hill (nato il 22 Gen 1949 in Linstead, Giamaica) è morto Sabato mattina 12 agosto 2006, a Berlino, in Germania, mentre era in tour con il suo gruppo Culture. Il cantante del gruppo di reggae veterano, che un paio d’ore prima aveva fatto uno spettacolo di successo ad Anversa, in Belgio, improvvisamente si ammalò e morì. Joseph Hill, le cui capacità di songwriting erano eccezionali, era “il principale esponente del reggae cosciente” e recensori di musica hanno lodato i suoi successi per tre decenni. Accanto Burning Spear, Dennis Brown e Bob Marley, Joseph “Cultura” Hill ha contribuito a diffondere il reggae militante rasta con influenze da tutto il mondo con diversi album pubblicati a livello internazionale e innumerevoli tour in tutto il mondo. Fu ampiamente conosciuto per il roots graffiante come “See Them Come”, “I’m Not Ashamed”, “Natty Never Get Weary”, “International Herb”, “Capture Rasta”, “Ecco The Land”, “Burning An Illusion “,”Money Girl”, “Zion Gate” tra gli altri.
JOSEPH “CULTURE” HILL MR. MUSIC.
Joseph Hill (voce), suo cugino Albert Walker (cori) e Kenneth Dayes (cori), originariamente conosciuto come African Disciples, formati come Culture nel 1976, in realtà in un periodo in cui il roots reggae era lo stile chiaramente dominante in Giamaica durante il periodo 1975-1980. I Culture, un classico botta e risposta trio vocale con Hill a fare la chiamata e Walker e Dayes a rispondere, divenne ben presto una parte della vivace, politicamente scena reggae giamaicana della giornata. Joseph Hill è stato l’unico membro del trio che ha avuto esperienza precedente in studio, avendo lavorato a casa di Coxsone Dodd nel leggendario Studio One come percussionista con il gruppo Soul Defenders nei primi anni 1970 con la quale ha suonato sul classico “Picture On The Wall” di Freddie McKay. E ‘stato anche a Studio One che Hill ha registrato il sublime “Behold The Land”, il suo primo brano come vocalist.
Poco dopo i Culture si sono riuniti, hanno iniziato a lavorare con il produttore Joe Gibbs e ingegnere del suono Errol Thompson. Mentre nello studio di Gibbs, i cantanti hanno registrato una serie di singoli potenti, molti dei quali finirono sul loro album di debutto acclamato successo e critica “Two Seven Clash”. Questa versione iniziale è stata molto popolare sia in Giamaica e in Inghilterra, poi seguita da altre parti del mondo. I testi hanno dimostrato che Hill ebbe un’acuta consapevolezza del nesso tra la storia della Giamaica e il suo clima sociale attuale. Mentre i brani possono essere stati fatti con gravi problemi, allo stesso tempo il gruppo ha riconosciuto sempre il valore di un battito accattivante. Subito i Culture entrarono a far parte di una ondata di gruppi vocali (inclusi i Mighty Diamonds, i Black Uhuru, i Meditations e innumerevoli altri) che hanno governato la scena reggae per molti anni alla fine degli anni ’70.
“Baldhead Bridge” è stato l’album il follow-up dei Culture per Joe Gibbs, effettivamente immessi dopo che il gruppo si era trasferito dal produttore rivale Sonia Pottinger. Hanno raccolto le tracce registrate alle stesse sessioni come il set di debutto, ma non tutto il materiale era forte. I Culture hanno iniziato a lavorare con alcuni dei migliori musicisti, tra cui Robbie Shakespeare, Sly Dunbar, Ansel Collins, Cedric ‘Im’ Brooks e il sempre presente percussionista Sticky, e hanno fatto una serie di album per la geniale produttrice Sonia Pottinger. L’etichetta della Virgin Records raccolse gli album, e la distribuzione ha aggiunto a contribuire e a spingere l’ottima musica dei Culture raggiungendo uno status internazionale.
Nel 1982 i tre cantanti si separarono. Joseph Hill continuò utilizzando il nome dei Culture, e registrando l’album “Lion Rock”, realizzato dalla Heartbeat Records. Dall’altra parte, Walker e Dayes registrarono una manciata di canzoni per conto proprio alcuni dei quali inseriti in un album intitolato “Roots & Culture”.
Nel 1986 la line-up originale venne riformata per registrare due album apprezzati “Culture In Culture” e “Culture At Work”. Queste versioni hanno segnato l’inizio di un periodo molto impegnativo per il gruppo, compresi gli album annuali e innumerevoli concerti. L’etichetta statunitense Shanachie realizzò un flusso costante di nuovi e vecchi album dei Culture fino a “Wings Of A Dove” nel 1992.
Nel 1993 Kenneth Dayes lasciò il gruppo e fu temporaneamente sostituito dalla cantante dei Dub Mystic, che era la loro band di supporto al momento. Con Dub Mystic, i Culture raggiunsero nuove vette che includevano l’uscita di due album in studio popolari come “One Stone e “Trust Me” e un album dal vivo “Cultural Livity”.
Dopo una lunga carriera in proprio, un altro famoso cantante come Telford Nelson si unì con Joseph Hill e Albert Walker su armonie vocali nel 1999. Un anno dopo, il gruppo registrò l’album “Pay Day”, cui ha fatto seguito un album dub tanto lodato mixato dal celebre ingegnere, Scientist. Nello stesso anno un album dal suono molto contemporary chiamato “Humble African” è apparso su VP Records. Da allora l’etichetta RAS Records ha pubblicato un set di CD e DVD intitolato ‘Live in Africa’, tratto da un concerto storico del gruppo che si esibì in Sud Africa nel dicembre del 2000. Il DVD, del gruppo prima, offre la prova di quanto sia vivace e intenso di ottime prestazioni dei Culture dal vivo. Nel frattempo, il gruppo registrò nuovo materiale per un nuovo album in studio dal titolo “Peace In The World”, che venne stampato dall’Heartbeat Records il 17 giugno 2003. Purtroppo questo sarà l’ultimo album che presenta la voce e i testi di Joseph Hill.
Guardando indietro è ovvio che i testi militanti di Joseph Hill, la capacità di cambiare con i tempi, hanno avuto sempre un forte spirito e lo hanno mantenuto sempre in alto per più di tre decenni.
Ho avuto il piacere di trascorrere con lui parecchie ore anche per un’intervista durante il suo unico concerto organizzato a Roma il 14 Giugno 1991, e devo dire che sono state le ore più intense nel farmi raccontare a lungo la sua storia dei primi anni di lavoro come componente degli African Disciples fino ad arrivare all’inizio degli anni ’90.

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PRINCE LINCOLN THOMPSON

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LINCOLN THOMPSON (Giugno 18 1949 – Gennaio 23 1999)
Lincoln ‘Prince’ Thompson, fondatore e leader dei “Royal Rasses”, scomparso il 23/01/99 dopo una malattia inaspettata, ma nello stesso tempo a sua insaputa, era affetto da cancro da molto tempo, e al momento del ricovero, i medici hanno subito constatato che lo avrebbe ucciso in pochi giorni.
Iniziò a cantare presto, in chiesa, avendo una bella voce come i suoi genitori, ed incominciando anche a studiare la musica, in quel periodo in pieno rocksteady-ska sound.
Poco più tardi, lui insieme ai suoi tre amici, Devon Russell, Cedric ‘Congos’ Myton e Lindberg ‘Preps’ Lewis, fondarono un gruppo vocale chiamato “The Tartans”, registrando il primo singolo nel 1964 al Federal Studio, chiamato “Dance All Night”.
Ma immediatamente dopo questo disco, il gruppo si sciolse, e Lincoln T. si ritirò a sud di Kingston, esattamente a Hunt’s Bay, per studiare la cultura del Rastafaranesimo ed a comporre canzoni, in piena tranquillità.
Nel 1970 fece un’audizione per Mr.Coxsone Seymour Dodd, quindi Brentford Road e Studio One Recording, dove realizzò 7 canzoni tra il 1970 e il 1972, ma solo 3 furono realizzate completamente. Le 3 famose canzoni sono: “Live Up To Your Name”, “Daughters Of Zion”, e “True Experience” che troviamo nella compilation dello Studio One “Pirate Choice” (track 6 side A).
Lincoln T. fu uno dei primissimi cantanti e compositori di musica in Jamaica riguardante il tema Rastafari, nel suo profondo animo. Nel 1974-75 continua sempre a scrivere canzoni, ma l’incontro ancora con il vecchio amico Cedric Myton fu determinante per la fondazione dei “Royal Rasses”, insieme a Keith Peterkin ed a Calbert ‘Johnny Cool’ Hall.
Da questo momento i Royal Rasses (Rasses, deriva dalle origini della Bibbia, significando Princes, Principi, sempre in onore di Rastafari King Of Kings) incominciarono un periodo illuminario nella storia del Roots-Reggae, registrando il primo Lp intitolato “Humanity” al Channel One e stampato sull’etichetta fondata da Lincoln T. la “God Sent” e ristampato in UK nel 1977 con l’etichetta “Ballistic” ed ancora successivamente ristampato anche in Italia nel 1980, presso l’etichetta “Noce di Cocco” Messaggerie Musicali, dove troviamo ottime canzoni come “Old Time Friend”, “San Salvador”, “Mr.Kissinger” e l’omonima “Humanity Love The Way It Should Be”.
Sempre per la “Ballistic” label, fu registrato il 2 Lp ” Experience” nel 1980, in coincidenza con il suo Tour Europeo organizzato con Jennifer Lara, cantante proveniente sempre dallo Studio One, dove riscosse un enorme successo, sia di vendite che di pubblico.
Nel 1981 una nuova uscita, accompagnata anche con l’aiuto di un grande cantante di Rhythm’n’Blues presente in Inghilterra, Joe Jackson, fu l’album “Natural Wild”.
Nello stesso anno tornò in Jamaica e registrò “Ride With The Rasses” presso la sua etichetta ‘God Sent’ e di seguito il Dub di “Narural Wind” intitolato “Harder Na Rass”.
Nel 1982 tornò di nuovo a Londra per registrare l’anno seguente il nuovo Lp “Roots Man Blues”, stampato per la “Choosy Music”, dedicato espressamente alla memoria di Robert Nesta Marley.
Da questo momento in poi Lincoln T. si dedicò di nuovo allo studio del Rastafaranesimo, ed aiutare la cooperativa che aveva aperto a nord di Londra, la “Rasses Fish & Grocery Store” una specie di negozio dove si vendeva tutto il reparto alimentare e non. Lontano dalla scena musicale per 8 anni, nel 1991 tornò con un singolo “Rising In Love” stampato su Charm/Jetstar, nel ’92 con “Dancehall Jam/ Time Is Running Out” e nel ’93 con “I Gave You My Devotion” stampato su etichetta “Riverside” ed ancora tra il ’94 e il ’95 altre 2 hits “Love Or Lust” e “Jah Love Us All”, prodotte insieme ad un suo vecchio amico, proveniente dalla scuola ‘Tartans’, Mr.Devon Russell.
Quindi arriviamo all’ultimo lavoro in studio di Lincoln P.T., l’album ” 21st Century” stampato per una nuova etichetta la “1-5 South Records”, l’ennesimo capolavoro del roots contemporaneo con stupende liriche come “Heroes Just The Same”, “Hard Times Coming”, “Hear Our Cry”, “Let Freedom Reign”, “Fire Burning” e “Preacher Man”; un disco ottimo in tutti suoi particolari, pieno di attualità, descrivendo per intero il periodo di vita in cui viviamo con i temi tristemente noti come guerre, violenza, oppressioni, ingiustizie sociali e altro.
Con questo ultimo lavoro Lincoln T. ci lascia un segno della tangibile genialità di un artista, versatile da cantante, da musicista, da compositore e da produttore, come pochi lo sono stati, riempiendo tutte le sue canzoni con calore e passione trasmettendo messaggi molto utili alle generazioni future.

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CARLTON BARRETT

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Carlton Barrett – Dicembre 17 1950 – Aprile 17 1987

Era un batterista e percussionista giamaicano. Il suo sviluppo musicale nei primi anni è stato con suo fratello Aston “Family Man” Barrett come membro della “house band” di Lee “Scratch” Perry, The Upsetters. I fratelli si sono uniti a Bob Marley e The Wailers intorno al 1970. Ha scritto la famosa canzone di Bob Marley “War” e con suo fratello Aston ha scritto “Talkin ‘Blues”. Carlton Barrett è presente in tutti gli album registrati dai Wailers. Barrett ha reso popolare il ritmo a goccia, uno stile di batteria percussivo creato da Winston Grennan. Con i beat di Carly e il basso di suo fratello Aston, la sezione ritmica dei Wailers piantarono i semi del reggae internazionale di oggi. Barrett venne assassinato fuori dalla sua casa in Giamaica il 17 aprile 1987.
“Carly Barrett”, come amava essere chiamato, nacque in Giamaica nel 1950, figlio di Wilfred e Violet Barrett. Da adolescente costruì il suo primo set di batteria con barattoli di vernice vuoti, e inizialmente era stato influenzato da Lloyd Knibb, il grande batterista degli Skatalites. Lui e suo fratello Aston sono cresciuti a Kingston e hanno assorbito il suono ska emergente. Lavorando come saldatore ha prima provato a costruire una chitarra e successivamente a suonare. Si rese conto che la chitarra non era il suo genere e raccolse la batteria.
Alla fine degli anni ’60 Carlton iniziò a suonare con suo fratello Aston, la coppia che si faceva chiamare Soul Mates o Rhythm Force, prima di accontentarsi sotto il nome degli The Hippy Boys, una formazione che comprendeva Max Romeo alla voce. Anche Leroy Brown, Delano Stewart, Glen Adams e Alva Lewis hanno suonato nella fluttuante formazione della band.
Gli Hippy Boys divennero una delle session band più impegnate di Kingston e opportunamente la loro prima registrazione fu “Watch This Sound”, con il supporto del compianto Slim Smith. Hanno anche pubblicato un paio di album per Lloyd Charmers, “Reggae With The Hippy Boys” e “Reggae Is Tight”. Oltre a suonare in molte sessioni per Bunny Lee e Sonia Pottinger, i fratelli Barrett suonarono anche in due successi delle classifiche britanniche del 1969, “Liquidator” per Harry Johnson e “Return of Django” per Lee “Scratch” Perry, con cui avevano un ottimo rapporto e cominciarono a mettere le proprie radici.
Per Perry, presero il nome The Upsetters, e registrarono una lunga serie di strumentali, tra cui “Clint Eastwood”, “Cold Sweat”, “Night Doctor” e “Live Injection”. Infatti, fu durante il periodo con Perry che i fratelli Barrett hanno collaborato prima con The Wailers, poi un trio vocale composto da Bob, Peter e Bunny. Dopo aver registrato molti numeri ormai classici, Carly e Aston decisero di collaborare con i Wailers su base permanente.
I fratelli Barrett registrarono diversi singoli con i Wailers nel 1969-70: “My Cup”, “Duppy Conqueror”, “Soul Rebel” e “Small Axe”. La maggior parte di queste canzoni vennero incluse in due album dei Wailers prodotti da Perry come “Soul Rebels” e “Soul Revolution”, e hanno costituito le prime fondamenta dell’originale ed innovativo suono “one drop”.
Sebbene i Wailers originali Peter Tosh e Bunny Livingston abbiano lasciato il gruppo nel 1973, Carlton e Aston rimasero con Bob Marley e continuarono a registrare “Natty Dread” nel 1974. Carlton scrisse canzoni per due delle canzoni dell’album “Natty Dread” con “Talkin ‘Blues” e “Them Belly Full”.
Carlton rimase con i Wailers in studio e in tour fino alla morte di Bob Marley nel 1981. Il suo stile distintivo può essere ascoltato in ogni registrazione prodotta dai Wailers dal 1969, ad eccezione delle sessioni del 1970 “Soul Shakedown Party” prodotte da Leslie Kong.
Il 17 aprile 1987, proprio quando Carlton arrivò a casa sua a Kingston e attraversò il suo cortile, un uomo armato si fece avanti dietro di lui e gli sparò due volte alla testa. Era morto all’arrivo in un ospedale di Kingston all’età di 36 anni.
Poco dopo il suo omicidio, la moglie di Carlton, Albertine, il suo amante, un tassista di nome Glenroy Carter, e un altro uomo, Junior Neil, furono arrestati e accusati della sua uccisione. Albertine e Carter sfuggirono all’accusa di omicidio e furono invece condannati a 7 anni per cospirazione.
Dopo solo un anno di prigione, sono stati rilasciati nel dicembre 1992 per questioni legali.

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